MAM CHILOÉ

La Muestra Anual Nº33 del MAM Chiloé, se llevará a cabo tanto en sus salas como de forma virtual. En caso de que no nos sea posible abrir nuestras puertas, como es nuestra intención, tendremos pronto noticias sobre una nueva forma de poder visitar el MAM, con las obras en sus muros y espacios.

La actividad pública del MAM el año 2020 fue por 9 meses on-line, y de esta forma, los más de 80 artistas que se presentaron en las exposiciones Vutamuseo y 12ª Muestra Regional de Arte Contemporáneo, se dirigieron a un numeroso público virtual, congregado desde nuestro boletín digital, esta misma web y nuestras redes sociales. Conscientes de la importancia de la experiencia física y emocional que significa la visita a una exposición, y con la intención de retomar nuestra misión de Centro Activo en la comunidad, abriremos las puertas del museo desde febrero 2021 (o en cuánto sea posible), con todas las medidas sanitarias y de resguardo que exige el contexto actual. En caso de que la restricción permanezca, anunciaremos pronto una nueva forma de visitar la muestra.

Fechas: marzo y abril 2021 (recorrido en video)

Presentan: Cristian Oliva + Felipe Carrión Rojas + Angela Wilson + Raimundo Edwards + Rebeca Puga + Carlos González + Paula Rubio + Claudio Herrera + Francisca Illanes + Rubén Schneider + Isidora Villarino + Nicolás Manning + Antonio Krell (†) + Diego Barriokowicz + Claudio Pérez Llaiquel.

 “Cuando hace mas de un año comencé a pensar en la Muestra de los 33 años, ABSTRACTA, nunca imaginé que sería tan sincrónica con lo que comenzamos a vivir universalmente. Los artistas que nos acompañan nos proponen una nueva realidad, distinta a la natural. El mundo interior, las emociones, los pensamientos, se transmiten a través de elementos plásticos como la línea, el color, el plano y la geometría. Comienza con la ABSTRACCION, la libertad absoluta de los artistas en la composición plástica”. 

Coca González, curadora.

Cristian Oliva / Las dos pinturas que presento constituyen los dos extremos de un mismo proceso, a pesar de estar separadas por casi un año en su proceso de creación. La primera de ellas constituye el inicio de una búsqueda plástica de un lenguaje rápido y liviano en mi pintura, en contraste con el peso físico y visual de mis trabajos entre el 2015 y 2019. Se titula “El Eterno Retorno”. La segunda pintura se titula “Puesta en Abismo”. Fue pintada entre octubre y noviembre de 2020 y recoge la experiencia creativa durante la cuarentena, en donde trabajé exclusivamente en gráfica con tinta y acuarela sobre papel.

Felipe Carrión Rojas / La pintura requiere detención y un tiempo indeterminado. El año 2020 ha sido particularmente extraño para todos, la pandemia cambió nuestros hábitos de trabajo y circulación en el espacio. El encierro provocó una instancia de concentración para enfocarme cada vez más en dibujar y pintar pequeños bocetos, tratando de reflexionar desde el arte esta sensación de inestabilidad y confinamiento. Esto me llevó a realizar una serie de dibujos a modo de bocetos con color para futuras pinturas y nuevos proyectos. Hay obras que nunca se dan por terminadas y quedan en el taller. Es por eso que decidí retomar una pintura inconclusa de gran formato que había dejado en suspenso en mi taller desde el año 1996 y en la que he decidido trabajar. Una de las primeras preguntas que surgen, a través de lo anterior, es pensar en los problemas de la pintura como tal, su condición matérica, los diferentes planos cromáticos y capas que se superponen y se unen, su construcción desde el dibujo y las decisiones que requiere cada etapa para su consolidación y coherencia; de ahí nace una reflexión que toma sentido acerca de la lentitud dentro de lo apresurado y móvil del tiempo actual. Esta invitación que recibiera de Coca González, Directora y Curadora del Museo de Arte Moderno de Chiloé, para celebrar los 33 años con la muestra colectiva titulada “Abstracta, MAM CHILOE, 33 AÑOS”, es una motivación para exponer esta obra detenida en el tiempo, junto a dos obras de gran formato de reciente creación y que surgieron a partir de los bocetos seleccionados durante la pandemia.

Angela Wilson / Fluir en Vértigo surge de la observación de aguas en movimiento. La obra se constituye en una metáfora del inconsciente, como una ventana que se abre a una realidad sugerida, a un paisaje imaginario de aguas submarinas. El desprendimiento de objetos e imágenes, cual membranas arrancadas de la pared de las cosas, flotan fragmentadas en un fluir en vértigo. El agua se revela como elemento simbólico de vida, de transformación y de muerte. La suma de sucesivas capas superpuestas, alude al proceso selectivo que hace la mente para recordar y olvidar. Fantasías, objetos, traumas e imágenes que están en los primeros sustratos de la obra se van acumulando en fragmentos inconexos. La figuración se mueve desde la fidelidad al referente, a la abstracción total. Así: paisajes, atmósferas urbanas y fotografías quedan escondidos o camuflados tras capas de pintura; metáfora de un espacio emocional conformado por la suma de diferentes materiales cubrientes: veladuras, aguadas de acuarela, tinta china, resina y densos baños de pintura.

Raimundo Edwards / Mi trabajo se inspira en el contexto urbano y en el principio de la recolección, iniciándose en la observación del entorno y la captura de elementos que voy traduciendo a distintos soportes visuales y materiales. La pintura, la fotografía, el video y el objeto son los medios de representación utilizados en diversos desplazamientos que incluyen el trabajo con imágenes digitales y acciones. En estos desplazamientos, lo urbano es traído al interior del espacio de exhibición mediante signos y huellas. Siempre en una matriz pictórica, la recolección y la composición privilegia una tensión entre lo orgánico y lo industrial, donde se repite la estrategia del negativo y la saturación cromática. El desarrollo de mi trabajo se ve reflejado en los últimos años en la idea de acotar en un lenguaje específico, como la pintura por ejemplo, estas observaciones y contener o cargar estos trabajos de los hallazgos y experiencias desarrolladas en investigaciones anteriores, donde el montaje heterogéneo de distintos medios y fragmentos en un espacio arquitectónico se ha reducido a imágenes cargadas de saturación cromática y de un sistema picto-instalativo desde una lógica de acumulación, repetición y autonomía en cada pieza. La imagen se vuelve, al final, autónoma de los procesos y contextos materiales, sociales y conceptuales que la llevaron a cabo. Y actualmente estoy en ese proceso de volver cada trabajo en un elemento autónomo, regido bajo sus propias reglas de lectura, conceptualidad y visualidad.

Rebeca Puga / “Aqua” y “Tavola” fueron creadas en distintos momentos, pero ambas tienen sus raíces en la relación con el medio ambiente  físico y sicológico de nuestro mundo contemporáneo y cotidiano. Mi obra busca la re-configuración de un momento, de una experiencia, una idea y un espacio. Busca reconciliar el carácter físico concreto de la pintura y lo efímero de la imagen. En definitiva crean un espacio mental para nosotros acceder. El lenguaje principalmente abstracto no está exento de narrativas, pero permite al espectador una participación recreando una experiencia que puede internalizar consecuentemente. Yo busco que quien se detenga ante este trabajo vea a través de estas pinturas y pueda crear múltiples asociaciones. A fin de cuentas, mis pinturas y dibujos son exploraciones desde los fundamentos de la pintura y su historia versus referencias a nuestra vida y entorno. “Aqua” fue concebida como una respuesta al deseo de estar inmersos en aguas primordiales, ya sean físicas o simbólicas; aguas que pertenecen a un espacio anterior al discurso racional y oposicional. “Tavola” nace como un homenaje a la cotidianeidad de  nuestra vida en torno a una mesa. Su estructura está basada en el mantel geométrico que vemos diariamente.

Carlos González / Lo que me motiva a hacer arte es la búsqueda de la armonía. Solo eso.

Paula Rubio / A lo largo de su trayectoria, la escultora se ha dedicado a explorar diversos soportes que contrastan sensaciones de masa e ingravidez, representando la noción de contrapeso –uno de los ejes de su obra–, generando así cruces de composición visual y plástica. De esta forma, integra distintos elementos, sólidos y etéreos, logrando resultados no solo creativos sino de alta riqueza expresiva, alcanzada por medio de la indagación de la materia misma y sus posibilidades.

Claudio Herrera / La serie de obras que se presentan pueden ser vistas como construcciones espaciales, cuyo excedente ilusionista permea de manera pictórica el concepto y el proceso realizado. La pintura es emitida aquí también por su valor contingente y soberano, abriendo su forma a una comprensión poli-dimensional de la realidad. Pertenecen estas pinturas a una ultima producción, realizadas durante el año 2020 de características bastante anómalas. El óleo, la pintura acrílica y diversos lápices son los insumos utilizados para dar espesor plástico y simbólico a estos trabajos. Siguiendo el camino abierto por ciertos expresionistas abstractos, tales como Tobey o Twombly, y de experiencias relacionadas al surrealismo, este envío resitúa mi interés por una estética moderna e historicista que a su vez lee el mundo de forma sensible y material.

Francisca Illanes / «Horizonte de por medio», la obra de Francisca Illanes parte y gira en torno a la pintura, específicamente aquella que remite a lo abstracto, lo informe y lo no representativo. Siempre ligada al paisaje, plantea una búsqueda incesante de la Naturaleza. Como un espíritu primordial,  que provee de sentido. Aquí atmósferas se superponen unas a otras y trazan una lectura que entra en profundidades, cruzando un espacio y tiempo que de alguna manera nos pertenece a todos.

Rubén Schneider / “Danza Ritual: La Vida”. La materia física y etérea se expresa en el movimiento, transformando los territorios entre fluidos y pulsiones. Durante millones de años la piel de la tierra ha ido mutando y dibujando nuevos escenarios. Aguas penetrando virginales selvas, recorriendo amazónicas vastedades, hasta llegar al mar de la sabiduría o la eternidad. Espermas urgentes siguiendo perfumes por ríos ováricos. Subterráneas venas rojas serpentean arterialmente ocultas bajo la cáscara, erupcionando a veces. La energía fluye incansable buscando sus mejores cauces, lidiando obstáculos. Los fenómenos naturales no son distintos de los procesos humanos. La vida se expresa y busca avanzar entre el caos y la libertad, en una danza ritual.     

Isidora Villarino / «Resistencia». Resistir al permanente cambio al que nos enfrentamos constantemente en la vida, y por consiguiente a la incertidumbre que cada cambio trae consigo, nos obliga a buscar maneras de adaptarnos a la realidad que nos acontezca. Bajo esta reflexión, se desarrolla esta instalación conformada por obras trabajadas bajo restricción de materiales y formato, de tal manera de emular en la obra el permanente acto de resistencia frente a lo que incomoda o nos aleja de nuestra zona de confort, como también la manera en que un acontecimiento se antepone a otro, hasta incluso relegarlo al olvido; de ahí la manera en que cada pliego es trabajado, sumando capas y capas de distintos materiales que en su conjunto van haciendo desparecer el trazo inicial y a su vez van poniendo a prueba –incluso– la resistencia del propio material.

Nicolás Manning / Es un proceso pictórico que en esta oportunidad busca la abstracción a partir de la integración de medios como son la pintura y la foto-serigrafía. En tiempos en que estamos repensando nuestra sociedad en este país, quería estar presente con esta obra que hace mención al golpe de Estado de 1973, con el bombardeo a la Moneda y también con la aparición de la “reja” que nos rememora la censura, el Estadio Nacional con los presos políticos, haciendo mención a aquello que nos divide, que nos aliena.

Antonio Krell (1933-2017) / La serie «Abstracciones» me ha acompañado hasta ahora y se intercala con el resto de mi pintura. En su ejecución gozo plenamente, al no convivir con ningún elemento figurativo que de una u otra forma me restringiría. El vínculo entre mi obra y mi vida personal se extiende consciente o inconscientemente hasta mediados de la década de 1990. Allí se produjo un hecho que influyó en mi trabajo, cual fue conocer la obra de Wassily Kandinsky. Quedé impresionado al ver cómo este pintor ejecutaba una sucesión de bosquejos que avanzaban hasta alcanzar la obra final. Me convencí de que una obra abstracta era el resultado de un proceso. Si bien es cierto que el estilo de su pintura no influyó en mi obra, lo que sí hizo fue hacerme ver la validez de la pintura abstracta y sustraerme de mis vivencias personales en la creación artística. El relato dejó de importar. Prevalecieron la composición, la forma y el color. Y sobre todo la libertad de crear.

Diego Barriokowicz / Un conjunto de formas ambiguas, de características orgánicas que se entrelazan, conectándose en distintos planos o capas, generando volúmenes, contraformas, vacíos y llenos. Como una especie de rompecabezas orgánico. Así es como se podría definir mi trabajo. La obra, a través de su ductilidad y flexibilidad va definiendo su configuración visual, vinculada al arte abstracto con interés en los sistemas vivos. Se proyectan formas a partir de materiales de diverso origen, que se rescatan por su color, textura y aspecto, los que son intervenidos a través de procesos manuales e industriales. Las partes resultantes se conectan y entrelazan de manera intuitiva y aleatoria, generando un sistema volumétrico propio. La pulcritud general del trabajo da la impresión que estuviese diseñado previamente, lo que se contrapone con lo aleatorio e intuitiva que es su configuración estructural. Hay algo sugerente y enigmático, donde el espectador inevitablemente configura sus propias imágenes.

Claudio Pérez Llaiquel / MÚSICA / Es el compositor invitado a crear la música que acompañará nuestra Muestra Anual Nº 33, Abstracta, tanto en su versión presencial como digital. Claudio ha llevado a cabo una vasta trayectoria en la región, tanto en el ámbito de la composición como en la ejecución, además de una gestión incansable para posicionar a sus colegas a través de conciertos, giras y nuevas ideas.